Lucky Luke - La pelicula

Despues de mucho tiempo, llega al fin la nueva pelicula de Lucky Luke protagonizada por Jean Dujardin y dirigida por James Huth.

Recordemos que Lucky Luke es una serie de historietas franco-belga, parte parodia y parte tributo al mítico lejano oeste cinematográfico, protagonizada por el vaquero homónimo. Creada por el dibujante belga Morris contó con múltiples guionistas, entre los que se cuenta René Goscinny.

Lucky Luke, conocido por ser "más rápido que su propia sombra", se enfrenta al crimen y la injusticia, deteniendo forajidos, escoltando caravanas de pioneros, o ejerciendo de mediador del Gobierno de EE.UU. en misiones diplomáticas particularmente delicadas.

El cowboy se caracterizó en los inicios de la serie por tener constantemente un cigarrillo entre sus labios, aunque Morris lo reemplazó con una pajita en 1983, lo que le valió el reconocimiento de la Organización Mundial de la Salud.

La galería de personajes es de lo más variopinto y estrambótica que se pueda encontrar y que se enriquece además (como lo hiciera Asterix por aquellos años) con la presencia de personajes que realmente existieron.

Recordemos también, que la película fue filmada, en gran parte, en Argentina, lo que nos hacia esperar con mucha expectativas que tal se verían esos escenarios representando lo que ya hemos visto un millón de veces en el cine americano.

En el caso de esta adaptación a la pantalla grande, tenemos que decir que la verdad es que nunca sentimos que estamos fuera del viejo Far West. Todas las locaciones se adaptan perfectamente a lo buscado por el director.

Por el lado de la adaptación (cosa bien difícil), creo que en general se han respetado bastante bien a los personajes, profundizando en las interpretaciones para ajustar algún desfasaje fisonómico con respecto al original dibujado por Miller (como es el caso de Billy the Kid).

Lo difícil de adaptar a Lucky Luke es el hecho de que este comic era una clara parodia al cine del viejo oeste americano. Lograr llevar estas caricaturas a la pantalla siendo interpretadas por actores es un tema arto difícil, tanto en la gestualisacion de los personajes como en el poder narrativo grafico que el comic posee. Pues, puedo afirmar que ambos ítems están perfectamente logrados.

Pero no podemos olvidar que cualquier película que veamos, sea una adaptación o no, lo más importante es la historia y como esta contada.

Es en este apartado en que la película tiene sus puntos flojos. El film empieza pisando fuerte, diciendo: aquí esta Lucky Luke, pero una vez pasada la mitad del metraje, cuando Lucky cuelga las Colt, entramos en un largo, largo periplo en el que el personaje duda y pierde el rumbo.

Es aquí que poco a poco empezamos a extrañar a Lucky en todo su esplendor, disparando a diestra y sinistra sin apenas inmutarse. Y cuando finalmente vuelve nos dirigimos a un desenlace que a mi, particularmente no me terminó de convencer.

Claro que todo esto son detalles que no quitan que Lucky Luke, sea una buena película, entretenida y bien, muy bien llevada por James Huth.

En este film, plagado de detalles, tendremos de todo: pajita en la boca, monedas perforadas, duelos bajo la lluvia o en calles desérticas de algún pueblo polvoriento, malos malísimos y otros no tanto (pero bastante tontos ambos), verdaderas torres de monedas que se ven en alguna partida de poker, sombreros voladores, y sobre todo podremos ver que, en verdad, Lucky Luke es mas rápido que su sombra.

Sherlock Holmes - Aggiornando personajes

Después de ver la nueva película de Guy Ritchie, Sherlock Holmes, protagonizada por Robert Downey Jr. y Jude Law, se me ocurre que podría decir dos cosas bien distintas de la misma:

1 - La película es muy divertida, esta correctamente filmada (aunque por momentos se vuelve muy apurada y un tanto confusa), las actuaciones, sobre todo las de Downey Jr. y Jude Law están impecables y logran entre si una química muy especial que favorece en mucho el desarrollo del film y que sin dudas logra el cometido de aggiornar a los viejos personajes haciéndolos mas actuales a las necesidades del mercado.

2- Que esta película es una bazofia indigna de entrar siquiera, en el basto universo de malas adaptaciones que se han hecho, hasta la fecha, del personaje de Conan Doyle.

Las dos valoraciones son validas. Las dos tienen razón. Pero a la hora de quedarme con una y teniendo en cuenta lo que se del personaje (porque algunas de sus novelas he leído), solo me queda elegir la segunda y decir: esta película es una porquería atómica.

Creo que cualquiera que sea amante del carismático personaje de Doyle, entenderá a que me refiero.
Esto de aggiornar personajes, me suena a buscar la taquilla a como de lugar y me pone bastante intranquilo que el éxito, que esta cosechando esta película, pueda traer como consecuencias mas aggiornamientos.

Para empezar a criticar esta película voy a intentar pegar en el punto fuerte: sus actuaciones.

Nadie puede negar las condiciones artísticas de Robert Downey Jr, es un gran actor, tiene talento y mucha versatilidad a la hora de interpretar. Pero que quieren que les diga, yo no me creo que es Sherlock Holmes.

Hace de cualquier otro detective medio chiflado y muy gracioso, pero no de Sherlock. Y si parto de esta base, ver una película de Sherlock Holmes en la que el personaje no aparece, ya toda la película se me va al mismísimo diablo. Lo que pasa es que soy un anticuado y no entiendo el aggiornamiento de los nuevos días.

Según parece, Sherlock Holmes, es un personaje aburrido, estirado y sabelotodo que se pasa buscando pistas. El cine de hoy necesita algo mas de acción, entonces cambiamos el personaje estirado por un tipo atlético e inquieto, el aburrimiento lo combatimos con la gracia que la excentricidad y poniendo cara de boludo todo el tiempo.

Lo de sabelotodo lo cambiamos por una especie de burla sabelotodistica para que la gente se ria de las deducciones increíbles. Y lo de buscar pistas lo convertimos en una especie de Cazadores del Arca Perdida donde cada pista conlleva un peligro del que se escapa corriendo o a los golpes.

A mi todas estas pelotudeces me pegan en las bolas, como me pasó con Dragonball que era una película correcta y entretenida pero de Dragonball nada. Me pasó antes con Dungeons and Dragons que de D&D no tenia nada y además la película era muy mala. Y me paso con muchas otras que mejor no quiero recordar.

Para rescatar deesta pelicula, esta el papel de Watson (Jude Law), que es correcto en casi todo, menos en el hecho de que en lugar de sentir admiración por Holmes, se enfrenta a este como una pareja hommo del tipo: "te amo, te odio, dame mas".

Pensando un poco se me ocurren varios aggiornamientos que se pueden hacer en personajes clásicos de la literatura como por ejemplo:


Hércules Poriot podría ser interpretado por George Clooney (alejamos así la imagen de Peter Ustinov). Clooney haria un Poirot serio y langa, irresistible para las mujeres. En “El expreso de Oriente” en lugar de atrapar al asesino, el mismo escapa sobre la mitad de la película y sabotea el tren para que este entre en una marcha sin control rumbo a la ciudad donde todos morirán por el impacto.

Creo que tendríamos un éxito aggiornado y rotundo.

Miss Marple lo podría protagonizar Angelina Jolie ¿Cómo? ¿Que Miss Marple en las novelas es una vieja? ¡Hay que aggiornarse, muñeco! Ella investigaría los asesinatos preguntando y escapando de las mil y una trampas que el asesino le pondrá para detenerla. Al final el asesino logra introducir una bomba atómica en Nueva York y la nueva Miss Marple deberá desarmarla con los elementos que dispone en la cartera.

Otro éxito aggiornado y rotundo.

El jorobado de Notre Dame interpretado por Nicolas Cage. En esta versión habrá poco maquillaje y la joroba se debe limitar a un granito de acne de gran tamaño en la espalda para que, en determinado momento, el granito explote y entonces tendremos un galán completo para la chica enamoradisa de turno.

El jorobado es un tipo que vive escondido, es un poco emo y cuando conoce a la chica que es perseguida, empezará la mayor aventura de todos los tiempos. Mucha adrenalina en los gigantescos escenarios de Notre Dame, con una fotografía espectacular y una acción trepidante al estilo Riesgo Total, pero en las cornisas de la catedral.

Otro éxito asegurado y aggiornado.

Por último, y eso que se me ocurren un montón, Crimen y Castigo protagonizada por Arnold Schwarzenegger como Raskolnikov y Kate Blanchett como Dunia. Arnold es un tipo común y corriente que se ve envuelto, sin querer, en un asesinato. Ahora la policía lo busca.

En una huida desesperada y ayudado por su amor Dunia, deberán afrontar múltiples peligros mientras Arnold es carcomido por la culpa. Una superproducción de acción trepidante y mucho humor. Los efectos especiales están a cargo de la Industria Ligth and Magic.

Otro éxito aggiornado y asegurado.

En fin, esperemos que mis presagios no se hagan realidad.

Cortos animados de primera

Me encontré con estos 3 cortos animados que me gustaron mucho y por esos los traigo a este espacio para compartirlo con todos los que gusten de estas cosas. Los cortos son muy buenos y a continuación les dejo una breve descripción de los mismos:

Birthday Boy
Corto animado realizado en el 2004 por Sejong Park. Está ambientado en la guerra de Corea [1950-1953], pero desde el punto de vista de Manuk, un niño que juega en las calles de su pueblo desierto. Una maravilla que es sutilmente dura.

This Side Up - A Short Animation by Liron Topaz
Este es un corto animado de “Ringling College of Art and Design”. Si bien no es una maravilla, estoy seguro que muchos que están acostumbrados a bajar cosas de Internet se sentirán identificados con este pobre hombre novel en informática.

Replay

Aquí otro gran corto animado pero esta vez desde el “Aniboom-Fox Holiday Animation Challenge”. En un mundo apocalíptico la añoranza por lo pasado se hace peligroso para los únicos sobrevivientes.

Una mirada a la oscuridad - Philip K. Dick a lo grande

Cuando leí la novela “Una mirada a la oscuridad” (A scanner Darkly) del genial Philip K. Dick sentí que había leído algo distinto a lo que el escritor me tenia acostumbrado, pero al mismo tiempo me di cuenta que había terminado de leer una de las mejores novelas del escritor y de mi biblioteca. Estaba en mi top 10 y escalaba rápidamente a los primeros puestos a medida que la digería en los días posteriores.


El mismo Philip K. Dick dice: "No soy un personaje de esta novela; soy la novela en sí" y es así, si nos preocupamos un poco por conocer los pormenores de la vida les escritor, descubrimos que sabe muy bien de que está hablando.

La novela nos cuenta que nos hallamos en un futuro tan cercano que podría pasar por actual. La policía introduce de incógnito a sus agentes en el mundo de los pequeños narcotraficantes y, para preservar su verdadera identidad, cuando se relacionan con otros policías los viste con el llamado monotraje mezclador, que los distorsiona a los ojos de los demás.

De este modo, se da una situación completamente esquizofrénica: el mismo policía que, embutido en su monotraje mezclador, sigue las evoluciones de los yonkis con los que ha de acabar, puede llegar a ser, en su doble vida, el propio yonki que está siendo investigado.

Fred es uno de ellos. Su alter ego, Bob Arctor, es un camello de “D”, “Muerte”, una droga realmente peligrosa, a la que se vuelve adicto. La novela narra el proceso de deterioro de Fred/Arctor, la constante amenaza de ser descubierto, las dudas acerca de quién puede ser un agente infiltrado y quién un simple yonki delator.

En la cuneta irá dejando relaciones (más que amistades), posibles y dolorosos amores que no llegan a cuajar y, sobre todo, su propia integridad física y mental.

El punto fuerte de la novela esta en su atmosfera viciada de adicción y de experiencias sicóticas.

Pero la sorpresa me la llevé el viernes cuando en un programa de radio me enteré que había una versión cinematográfica de esta novela que estaba actuada por Keanu Reeves (manteniendo su fría presencia de espectador privilegiado que en este caso viene muy bien), Robert Downey Jr. (en uno mas de sus excepcionales papeles), Woody Harrelson y Winona Ryder, y que además tiene como productores ejecutivos a George Clooney y Steven Soderbergh. Así que no esperé ni un momento y me fui a ver la película.

Esta producción experimental semiindependiente se proyecta como una novela gráfica que cobra vida gracias a la fotografía de acciones reales a las que se le aplica un proceso avanzado de animación - un método conocido como rotoscopio interpolado (trazar dibujos sobre metraje videograbado), que se utilizó por primera vez en 2001 en la película "Waking Life" del escritor / director Richard Linklater - donde se creó una inquietante versión de América, a siete años vista.

Sin dudas, esta novela en especial, debe ser la mas difícil de adaptar del escritor pero, para mi sorpresa, la adaptación me pareció formidable ya que si bien había pasado un considerable tiempo desde que la leí, la tenia muy presente y sentía que todos los ingredientes estaban presentes de algún modo en esta producción.

La atmosfera alucinante de la novela se reinterpreta aquí con unos dibujos trazados sobre la película en la ya mencionada rotoscopia por lo que la sensación de inseguridad de la realidad esta presente en carne viva en todo el film de una manera muy original.

Claro esta que si bien la película cumple muy bien con la adaptación y logra muchos momentos que Dick describe en su novela, no puedo dejar de mencionar que estamos lejos en muchos aspectos con los escritos del genial escritor por la simple razón que algunas escenas son tan demenciales que se hace difícil transferirlas por completo a la pantalla por lo que seguramente para quien no haya leído la novela, pasen desapercibidas. Como la escena en que se les descompone el auto en la autopista.

En fin, otra de esas películas que guardaré en mi colección de películas "sagradas", que veré y reveré a lo largo de mi vida al igual que lo hago con un puñado de películas selectas.

Aqui el trailer de "Una mirada a la oscuridad"

Christian Bale - El hombre metamórfo

Christian Bale, este actor que para mi, es uno de los mejores del momento lejos, va camino de superar a Robert De Niro en cuanto a transformaciones físicas para un papel se refiere: tras quedarse, literalmente, en los huesos para encabezar el reparto de “El Maquinista”, rápidamente ganó masa muscular para interpretar a un fornido Bruce Wayne en “Batman Begins”.

Claro que la actuación no pasa solo por una cuestión de transformación física sino por la interpretación, pero creo que Bale cumple todos los requisitos siendo, inclusive, ninguneado en “The Dark Knigth” a favor de la exaltación de Heath Ledger.

Ahora, y a la vista de la primera imagen suya en el set de rodaje de “The Fighter”, vemos que el actor de 35 años ha vuelto a jugar con la salud de su cuerpo perdiendo nuevamente bastante peso para interpretar el papel de Diky Eklund, delincuente de poca monta, fumador de crack, hermano y entrenador del boxeador “Irish” Micky Ward, protagonista del relato y al que pone rostro Mark Whalberg.

David O´Russell, se hace cargo del proyecto tras la retirada de Darren Aronofsky. Habrá que esperar hasta finales del 2010 o principios de 2011 para apreciar si el esfuerzo de Bale ha merecido (o no) la pena.

"Dejame entrar" tendrá remake americana

Director de Cloverfield, Matt Reeves, será el encargado de la versión americana de la aclamada por la critica, película de vampiros sueca llamada: "Let the Right One In" (Déjame entrar). Al parecer, ha sido contratado por Overture Films y Hammer Films para escribir y dirigir la remake. Hablo de cómo sería la adaptación a “Los Angeles Times”.

Basada en el libro de John Ajvide Lindqvist, ‘Låt den rätte komma in’ (en España, "Déjame Entrar") es un film dirigido por Tomas Alfredson que triunfó en la pasada edición del Tribeca Film Festival, donde debió fraguarse el proyecto de remake.

La historia de la película gira en torno a Oskar, un chico solitario y maltratado por sus compañeros de clase, que encontrará consuelo y amistad en su nueva vecina, Eli, una extraña niña con un oscuro secreto.


Hammer Films adquirió los derechos para hacer el remake en el Festival de Cine de TriBeCa en el 2008 y Overture Films planea estrenar la película en el año 2010. Tomas Alfredson se ha mostrado descontento con la decisión de hacer un remake afirmando que "los remakes se hacen para películas que no son muy buenas, lo que te da la oportunidad de arreglar lo que no ha funcionado”.

El autor de la novela, Jon Lindqvist, se muestra muy interesado de que su libro sea adaptado de cero en lugar limitarse a copiar el guión de "Déjame entrar", lo que podría dar lugar a una película muy diferente.


Cabe recordar que la película recibió numerosos elogios de la crítica internacional y ganó numerosos premios incluyendo el "Premio Founders al mejor guión adaptado" en el Festival Cinematográfico de Triveca del año 2008 y el Méliès de Oro de la Federación de Festivales de Cine Fantástico Europeo por la Mejor Película Fantástica Europea.

Reeves dijo a "El Times":
"Quedé enganchado de inmediato,” dijo Reeves. "Me sentí atrapado por la historia, y tuve una reacción muy personal. Me recordó mucha mi niñez, con la metáfora de los tiempos duros de nuestra pre-adolescencia, toda una experiencia dolorosa que llega a convertirse en un horror.”

La película esta planificada para estrenarse en 2010.

"Knowing" Entretenimiento asegurado

Me encuentro este fin de semana con una agradable sorpresa al ver esta “Knowing” ("Señales del futuro" o "Cuanta regresiva") ya que ni por un momento imaginé que una película de cine catástrofe y menos con Nicolas Cage de protagonista, pudiera entretenerme como lo hizo este film.

No me voy a poner a comentar lo que hizo y dejo de hacer Alex Proyas como director ya que de por si es un detalle al que no le preste atención al sentarme a ver este producto. Si diré que pensando en lo trillado que esta el cine catástrofe últimamente sobre todo con productos de apabullante grandilocuencia y huecos hasta el hartazgo como los presentados por Roland Emmerich.

Me senté en la butaca esperando ver mas de lo mismo, ya que Emmerich nos ha mostrado las mil y un maneras en que Nueva York seria destruido en caso de una gran catástrofe, aunque con la cara de Cage en lugar de la de algún otro.

Si bien la película recurre a los mil y un clichés ya trillados del género, creo que la composición general de los mismos y el manejo que el director hace del mismo es bastante prolijo hasta el punto de generar un entretenimiento asegurado para los seguidores de este genero.

Inclusive algunas escenas catastróficas están tan bien logradas que logra ponernos los pelos de punta como en el caso del accidente aéreo primero y en menor medida el accidente en el subway.

Si bien el argumento nos pasea por una historia que se mueve dentro del cine catástrofe, el suspenso, el terror y la ciencia ficción, sin atisbos de aburrir, la conclusión del mismo se hace previsible a la mitad del film aunque, claro esta, la sorpresa llega en forma no de conclusión, sino en que, en esta película, logramos llegar a un final que es irrevocable y que no le tiene miedo a lo inevitable presentándolo de manera correcta.

Si hay algo que me tiene podrido en el cine americano de este tipo o de algún otro, es que lo que tendría que pasar no pasa porque algún personaje principal logra evitarlo a ultimo momento contra toda lógica y sin ninguna ayuda mas que la de los guionistas.

Aquí lo que tiene que pasar pasa y cualquier idea esperanzadora que pueda verse es mero aditamento que no hace al producto final más que mosquear a alguno que se pueda sentir molesto con una idea religiosa que se pueda leer entre líneas.

Porque el punto de la religiosidad del film estoy seguro que va a molestar a muchos no creyentes (aunque algunos puedan encontrar refugio en una explicación de ciencia ficción) que, tal como ocurre con los creyentes ante filmes como “Ángeles y Demonios”, se van a sentir heridos en su creencia profunda de no creencia (¿se entiende?).

No es que sea una película religiosa, pero Proyas utiliza todo lo que tiene a mano para encontrar un camino donde no lo hay y poder entregarnos un final que guste a unos y otros.

De las actuaciones podemos rescatar el papel de Cage que a pesar del siempreigualismo (para mi Nicolas Cage actúa siempre igual) que lo caracteriza, logra trasmitir en algunas escenas lo que debería ser, sin muchos recursos extravagantes.

Lo peor del film recae en las actuaciones del niño (Chandler Canterbury) que de verdad se queda corto en algunas escenas donde debería acompañar un poquito más para lograr el típico momento dramático de la película.

En fin, nos encontramos con una película que, creo yo, es perfecta dentro de un género que a lo largo de su historia ha sido duramente golpeado y que en el fondo solo busca entretener.

Donnie Darko - Agradable sorpresa y media

El sábado pasado estaba tratando de elegir una de las 7 películas de viajes en el tiempo que había conseguido (porque me dio un ataque por ver películas de viajes en el tiempo, yo soy así... a veces) y mirando entre los títulos que tenía estaban:

El sonido del Trueno, Deja Vu, Primer, El único, Pídele al tiempo que vuelva, Timeline y la película que finalmente vi y me ha inspirado a escribir estas líneas aun despues de pasados 5 días que es: Donnie Darko.

En realidad no se por que elegí esta Película en primer lugar, pero fue así. Me senté cómodamente en mi sillón con la estufita al lado y mi tazón de leche chocolatada calentita en las manos dispuesto a disfrutar de una película de viajes en el tiempo que a mi tanto me gustan en general. Subí el volumen de los parlantes, apague todas las luces y di comienzo a mi función privada sin saber exactamente de que iba la peli.

La película en si, comienza rara, no se explicar bien en que sentido mas que decir que su atmosfera es extraña como si de un film de David Lynch se tratara, pero a las claras no es un film de este director.

Tomando lentamente mi Chocolatada caliente fui notando que la rareza no aflojaba y entonces aparece el conejo y me di cuenta que poco a poco el clima de la peli me estaba envolviendo en una atmosfera que no sabia bien si era de terror, ciencia ficción o drama satírico.

En un momento, ya pasado la mitad del film más o menos, me pregunté: ¿Pero que clase de película es esta que no conocía y esta tan buena?
Claro que a esa alturas lo de los viajes en el tiempo todavía no tenía ni miras de presentarse y tampoco me imaginaba como podía encajar algo así en la historia demencial que estaba viendo. En realidad no me podía imaginar como terminaría todo eso más que con algún crimen o algo parecido.

Pero el final llegó con toda su teoría de viajes en el tiempo y la historia cierra perfectamente de un sopetón y yo me quedé casi boquiabierto porque no podía creer lo que había visto, no o había entendido un sorongo y para colmo sentía que había un montón de cosas que habían pasado frente a mis ojos y no les había prestado la atención debida.

Eso si, la película me había encantado, me había producido ese efecto que pocas películas logran conmigo que es quedarme pasmado y pensando a full sobre lo que había visto mientras pasan los títulos finales.

Empecé a atar cabos sueltos y me di cuenta de varias cosas:
Primero - que la película tiene un clima impresionante que es un 70 % de su atractivo.
Segundo - que el final era más abierto que el abierto de Roland Garros.
Tercero - que a pesar de ser tan abierto el final, se puede llegar a una conclusión perfecta si se piensa un poco en lo que se vio.
Cuarto - Voy a verla nuevamente cuando pueda porque la pelicula lo amerita.

Después busque en Internet alguna referencia a ella porque me parecía que no podía ser una de esas que pasan desapercibidas por las salas de cine aunque me extrañaba que no la conociera de nombre siquiera y sobre todo cuando me enteré que era una producción de 2001.

Me enteré por la rede de redes que la película no solo era de 2001 sino que además estaba dirigida por un muchacho de 26 años llamado Richard kelly que escribió y filmó esta película con parte de producción de Drew Barrymore (esta chica cada día me cae mas simpática), que, si bien había sido un fracaso de taquilla, cuando se estrenó en DVD rápidamente se convirtió en film de culto. En ese momento me calló la ficha y me di cuenta que no podía estar tan equivocado en cuanto a la valoración que le había dado: una joyita.

La película está ambientada en 1988 (año electivo para EE. UU.), en el pueblo de Middlesex, Virginia.

En medio de la noche, el 2 de octubre de 1988, Donnie es despertado por una voz extraña que lo lleva hasta un campo de Golf donde conversa con un conejo, de tamaño humano, y aspecto demoníaco llamado Frank. Frank le explica a Donnie que el mundo va a acabarse en 28 días, 6 horas, 42 minutos y 12 segundos.

A la mañana siguiente, Donnie se despierta en medio del Campo de Golf, regresa a su casa y descubre que un motor de avión (probablemente de un 747) ha caído del cielo e impactado en su habitación. En ese momento comienzan una serie de acontecimientos que unen a Donnie con una compañera de clase, llamada Gretchen.

Durante la película, se explica que Donnie padece una enfermedad mental (específicamente Esquizofrenia Paranoide), cuando su hermana lo acusa de no tomar su medicación. Donnie continúa viendo a Frank, para luego comenzar a ver "Flechas de Líquido" saliendo de los pechos de las personas, indicando los caminos que las personas tomarán en el Futuro Inmediato.

El film está impecablemente realizado en todos y cada uno de los sentidos, y tiene un poder inusual, es fascinante y turbador.
Es un viaje a los límites entre la razón y la insanía, la realidad y la ficción, es fruto de una gran imaginación. Una experiencia audiovisual y psicológica que vierte imágenes muy atractivas y potentes (la propia presentación del barrio donde vive Donnie, al inicio del film, maravilla) y que, como un pez que se muerde la cola, se devora a sí misma en el tiempo y el espacio. La banda sonora, con temas como el "Love Will Tear Us Apart" de Joy Division, o algún éxito de la época como el "Notorious" de Duran Duran, resulta igualmente envolvente y adecuadísima.

La actuación de Jake Gyllenhaal en el papel de Donnie es impresionante, haciéndonos creer cada una de sus siniestras actitudes (uno no sabe que esperar de el hasta el mismísimo final), Lo mismo pasa con el reparto que se destaca con las interpretaciones de su hermana, Maggie Gyllenhaal, Drew Barrymore como la profesora piola y con un Patrick Swayze que interpreta uno de los papeles de su vida.

Decir a estas alturas que la recomiendo es una exageración, pero eso si, tengan cuidado porque no van a ver una película de Ciencia ficción común y corriente, y prepárense a no entender nada al final.
Yo creo que la entendí jeje.

Aquí el trailer en español



Aquí una conversación muy graciosa sobre los Pitufos que si se ve en el contexto del film tiene más de lo que aparenta.

Star Trek - Renovacion a lo grande

Al fin me di el gusto de ver Star Trek, la nueva entrega de esta saga mítica dirigida por J. J. Abrams y la verdad es que no me defraudó en absoluto.
Lo que aun no tengo claro es si esta entrega es parte de la saga original o es una nueva reinvención que parte casi desde cero. Esto seguramente lo podrán entender quienes ya han visto este film.

La historia arranca de manera espectacular, con la muerte de George Kirk, el padre del gran James T. Kirk (Chris Pine) a manos del malo de turno, un Romulano llamado Nero (Eric Bana) que capitanea una nave minera proveniente del futuro y que busca vengarse del Señor Spock (Zachary Quinto).

James Kirk crecerá a la sombra de su padre muerto como un joven rebelde que en algún momento intentará corregir su vida ingresando en la flota estelar donde, todos sabemos, hará historia.
Es en el transcurso de este film que veremos como los distintos personajes de la clásica serie se irán conociendo y forjando vínculos que se convertirán en lazos muy fuertes de amistad con el tiempo.

Podremos presenciar momentos conocidos por narraciones de los filmes anteriores como la superación de la prueba Kobayashi Maru por parte de Kirk discutida por este y la teniente Saavik en “La ira de Khan”.

Toda la película es de una acción trepidante, espectacular y visualmente atractiva. Pero lo mas importante es que la historia es concisa y bien armada, con personajes que se desarrollan bien y se interrelacionan de manera desenvuelta siguiendo los lineamientos generales de la película.

Pero lo importante para mí es el apartado visual que rompe con el esquema simplista de la serie original y de las películas (excepto la primera) tanto en los decorados como en los vestuarios que sin dejar de parecerse a los viejos uniformes, tienen un tono innovador, absolutamente cinematografico y muy futurista.

Una saga que comienza a medio camino de la vieja Star Trek y la saga rival (para algunos, pero no para mi) con los personajes de una y el estilo visual y narrativo de las batallas de la segunda. No se como habrán tomado los trekkis esta película porque imagino que rompe algunos esquemas que eran un baluarte en la serie creada por Roddenberry. Sinceramente creo que este nuevo enfoque le da un puntapié inicial a la saga desde una inmejorable posición (creo que parte desde un punto mejor que la primera, la nueva, trilogía de Star Wars).

Ahora, Star Trek nace de nuevo, se moderniza y arranca desde una perspectiva totalmente nueva, jugando con una dimensión alternativa que puede perfectamente crear todo un universo nuevo, distinto de la saga original.
George Lucas, debiste juntarte con Abrahams cuando pensaste en “La amenaza fantasma”.

A continuación les dejo un montón de guiños ocultos que Abrams dejo en su película prontas a ser descubiertas, ojo que pueden resultar Spoilers para quienes no vieron el film:

La mas polémica sin dudas es la presencia de R2 D2 en la película ¿donde esta? Pues miremos bien la escena:

Después de la escena en la que la Enterprise rota sobre su eje para esquivar la nube de escombros formada por los restos de las naves de la Federación destruidas sobre Vulcano, pasamos a una toma interior del puente de la Enterprise en la que la cámara enfoca por encima del hombro a Kirk observando a través de la pantalla frontal. En el espacio, R2-D2 puede verse flotando entre los restos desde la mitad superior de la pantalla hasta la esquina inferior derecha.

El resto no son tan polémicas pero igual son difíciles de descubrir:

La película tiene un montón de pequeños detalles que pueden apreciarse con múltiples visionados, aquí hay algunos de ellos (en orden de aparición):

CAMEO: Randy Pausch puede ser visto en la primera escena caminando con el Capitán Robau diciéndole “Capitán, tenemos contacto visual.”

Escenas de Vulcano empleando Vasquez Rocks, una localización empleada frecuentemente en Star Trek, incluyendo escenas en Vulcano para “Star Trek IV”.

La pantallas envolventes utilizadas en las pruebas de los niños vulcanos son parecidas a las pruebas con pantallas múltiples realizadas por el Spock resucitado en “Star Trek IV”.

CAMEO: Greg Grunberg proporciona la voz al padrastro de Jim Kirk durante la escena del Corvette.

Se menciona la palabra “Slusho”, parte de la campaña viral para “Cloverfield”, durante la escena del bar de Iowa. En el menú del bar puede verse también el refresco Slusho.

Durante la pelea en el bar, Kirk golpea a uno de los cadetes en la cabeza con una botella de Brandy Sauriano.


CAMEOS: El padre y el suegro de J.J. Abrams pueden ser vistos contemplando la pelea en el bar.

En la señal que puede verse cuando Kirk conduce su motocicleta hacia los Astilleros de Riverside pone “Sector 47”. El número 47 es un tema recurrente en las series de Abrams “Alias”, “Fringe” y “Perdidos”, así como la serie de Star Trek “La Nueva Generación”.

Kirk se golpea la cabeza al entrar en la lanzadera que va a llevarlo a la Academia de la Flota Estelar, posiblemente en homenaje al golpe que se da Scotty en “Star Trek V”.

Mientras la lanzadera despega del astillero, hay un breve apunte musical del tema de Star Trek compuesto por Alexander Courage.

Spock menciona la posibilidad de intentar alcanzar el Kolinahr en el futuro, algo que el Spock Original buscaba en “Star Trek: La Película”.

Spock le dice a su madre que “bien no es aceptable”. En “Star Trek IV”, después de ser incapaz de responder a la pregunta “¿Cómo se siente?” a principios de la película, al final Spock le dice a Sarek que le cuente a Amanda que “se siente bien”.

CAMEO: El guionista Akiva Goldsmith es uno de los Miembros del Consejo Vulcano durante la aparición de Spock en frente del Consejo Vulcano.

Otra mención del número 47 se hace cuando Uhura habla sobre “47 naves” de una armada klingon que han sido destruídas.

Durante la simulación del Kobayashi Maru se ve a Kirk comiendo una manzana, un homenaje a la escena de la caverna del dispositivo Genesis en “Star Trek II” en la que Kirk está comiendo una manzana mientras cuenta una historia sobre cómo ganó en la prueba del Kobayashi Maru.

Durante la escena del juicio en la Academia hay un tal Almirante James Komack en el estrado.

CAMEO: El actor de “Madea” Tyler Perry interpreta al Almirante Barnett, el presidente de la Academia.

Se dice que la Flota de la Federación se encuentra en el “Sistema Laurentiano”, posiblemente una referencia a la “Fosa Laurentiana” mencionada en las películas “Transformers” o “La Caza del Octubre Rojo.”


CAMEO: El actor de “Stargate Atlantis” Paul McGillion aparece como el Jefe de Barracones en la escena del hangar.

El último nombre mencionado en la lista de destinos es “Vader, USS Hood”, haciendo referencia a “Star Wars”.
En la escena del hangar de la academía, una de las lanzaderas se llama “Moore”, posiblemente haciendo referencia al veterano escritor / productor Ron Moore.

A medida que las lanzaderas van alejándose de la Academia de la Flota Estelar, uno de los edificios de San Francisco muestra un logo de Tagruato, otra referencia a “Cloverfield”.

Cuando Chekov está intentando acceder a su consola, la voz del ordenador es la de Majel Barrett Roddenberry, su último papel en la franquicia Star Trek antes de su muerte.

Sulu le cuenta a Kirk que su entrenamiento de combate consiste en la esgrima. En el episodio de “The Naked Time” de “La Serie Original” Sulu demuestra sus habilidades de esgrima.

El ingeniero jefe Olsen viste un traje rojo y sufre la muerte típica de un camisa roja.

Nero tortura al Capitán Pike empleando “babosas centaurianas” que son un homenaje a las anguilas de Ceti de “Star Trek II”.

La frase de Spock “Una vez has eliminado lo imposible, todo lo que queda, por muy improbable que parezca, debe de ser la verdad” es la misma frase que Spock cita en “Star Trek VI” (que a su vez procede de las novelas de Sherlock Holmes).

Kirk es abandonado en Delta Vega, un planeta visto en el segundo piloto de Star Trek “Where No Man Has Gone Before” (o al menos es un planeta con el mismo nombre).

La bolsa que Kirk coge de la càpsula de escape pone “Enterprise D” en posible referencia a “La Nueva Generación”.

El Spock Original le dice a Kirk “siempre he sido y seré su amigo”, exactamente lo mismo que le dijo a Kirk en “La Ira de Khan”.

CAMEO: Durante la fusión mental, el anteriormente actor de “New Voyages” Jeff Quinn puede ser visto como un vulcano inspeccionando la “Medusa” durante su construcción.

McCoy le pregunta a Spock si “ha enloquecido su mente vulcana”, una pregunta que el McCoy Original le hace a Spock un par de veces en “La Serie Original” y en las películas.

Un tribble puede ser visto (y oído) dentro de una jaula en el taller de Scotty (sobre la mesa en la que está apoyando los pies cuando es visto por primera vez).

Scotty menciona el “Beagle del Almirante Archer” haciendo referencia al Jonathan Archer de “Enterprise”, aunque el perro que menciona no se trate de Porthos.


Spock tecleando la futura ecuación del transporte transcurvatura en el ordenador de Scotty es un homenaje a Scotty tecleando la futura fórmula del aluminio transparente en el ordenador de Plexicorp en “Star Trek IV”.

CAMEO: Cuando Spock regresa al puente para decir “El señor Chekov está en lo cierto”, el actor James Cawley de “Star Trek Fase II” puede ser visto cerca de él de pie y sujetando una carpeta.

Cuando Spock y Kirk se transportan de vuelta tras su misión en la Narada, hay otro breve apunte del tema de Star Trek de Alexander Courage.

Kirk se ofrece a transportar la tripulación de la Narada antes de que la nave sea destruída. Esta misma oferta fue ofrecida por Kirk a los romulanos del episodio “Balance of Terror” (y fue igualmente rechazada).

Cuando Pike es visto al final de la película, está vistiendo un uniforme de almirante muy parecido a los de “Star Trek: La Película” y está en una silla de ruedas, como lo estaba en el episodio “The Menagerie”.

Fuente: trekmovie

Aniversario de "Alien" y precuela

Se cumplió el aniversario numero 30 de la saga mas inquietante de la historia del cine: “Alien, el octavo pasajero” de Ridley Scott, y que generó una saga que ha dado de todo, desde buenas películas hasta horrores mas espeluznantes que el mismo Alien.

La noticia dice que al parecer, el hermano de Ridley, Tony Scott, reveló que los estudios 20th Century Fox ya trabajan en una precuela (historia previa) de ese clásico del terror.

Los rumores desatados hace unos días por el portal de cine Bloody-Disgusting, donde se informaba de la decisión del estudio y de que el filme sería dirigido por el desconocido Carl Rinsch, fueron confirmados por Scott durante la presentación ante la prensa de su último trabajo, "The Taking of Pelham 123". La experiencia de Rinsch, que no ha debutado en el mundo del largometraje, se limita a la grabación de anuncios y vídeos musicales.

"Sí, Carl Rinsch se va a encargar de dirigir la precuela de Alien. Es uno de los directores dentro de nuestra compañía", afirmó al portal especializado Collider Tony Scott, en alusión a la compañía Scott Free Productions, financiada por Fox. "Estoy entusiasmado porque Ridley creó el original y Carl Rinsch forma parte de la familia", comentó Scott, director de cintas como "Top Gun" o "Spy Game", quien apuntó que la producción del filme podría comenzar a finales de año.

Se desconoce por ahora si Sigourney Weaver, la protagonista de la cinta original de Ridley Scott, volverá a retomar el papel que la lanzara a la fama en 1979, aunque su participación parece improbable si la intención de los estudios es echar la vista al pasado e indagar en los orígenes del alienígeno.

Hace unos meses, la actriz manifestó sus deseos de volver a dar vida a la teniente Ripley, una de las grandes heroínas del cine. "Siento que la saga aún no ha acabado para mí", dijo. "Ripley está viva y a salvo, espero que no acabe perdida en el espacio para siempre".

Mientras esto sucede los fans de esta saga (yo me adhiero a ella hasta el capitulo 3, de la cuarta no me hago cargo), esperamos que de una vez por todas, nos regalen con una nueva entrega que sea, por lo menos, entretenida.

En mi particular opinión creo que la primera es la mejor, la segunda esta muy bien hasta que deciden ir a rescatar a la niña, después se vuelve medio disparatada, y la tercera entrega aprendí a valorarla con el tiempo, hoy creo que es tan buena como la primera, superando con creces a la segunda.

Hay en Internet un montón de curiosidades sobre esta película de las cuales algunas no son muy acertadas según mis conocimientos de años atrás. Por ejemplo se dice que:

El nombre original de la nave espacial era Snark, aunque tras otros nombres, acabó por llamarse Nostromo (no recuerdo queque parte de la historia la nave se llamaría así, pero si se que en algún momento antes de llamarse Nostromo se llamaba Leviatán).

Muchos de los interiores del Nostromo fueron grabados en un cementerio de aviones (no se si esto es tan así, pero si se que el plató de la nave fue construido y cada nivel de la nave sería un set distinto, y Ridley los dispuso de forma laberíntica, para lograr mejor la sensación de claustrofobia. Las paredes tan sólo se apartaban para dejar paso a las cámaras).

El interior de la nave alienígena que estaba a cargo de HR Giger era tan inquietante como el propio autor. Dicen que era siniestro entrar al sector donde Giger creaba sus Monstruos porque estaba rodeado de huesos, trabajaba a media luz en muchos casos y el mismo Giger tenia un aspecto de vampiro, siempre vestido de negro y de tez pálida casi enfermisa (HR Giger jamás tomaba sol).

Ron Cobb estaba a cargo de los diseños interiores de la nave creando un sin fin de dibujos muchos de los cuales fueron descartados al final (incluso llego a diseñar un Alien que tenia forma de pulpo). El también fue quien tubo la idea de que el alien tuviera acido por sangre.

Chris Foss se había ocupado del diseño de los exteriores de la nave haciendo un trabajo fantástico.
Roger Christian se encargó de dar vida a los diseños, especialmente a los del Nostromo, que fue construido a base restos procedentes de cementerios de aviones unidos con alquitrabes de poliestileno pintados para parecer plástico.

Leslie Dilley supervisó el montaje de los oníricos, o mejor dicho, pesadillescos decorados de Giger.
El aclamado dibujante Moebius aporto unos pocos dibujos de los trajes espaciales que finalmente fueron utilizados.

Durante el rodaje Scott se encontró con un millar de problemas a resolver entre las presiones de los productores y el limitado presupuesto. Muchos de los problemas se resolvieron a base de ingenio como por ejemplo, para conseguir un efecto realista para que los huevos parecieran algo vivo, Ridley se dedicó a mover las manos, enfundadas en guantes de goma, por dentro del huevo.

El efecto carnoso de su interior se consiguió con un estómago de una vaca manipulado por Ridley. Para que el momento en que el facehugger se proyectaba a la cara de Kane también quedara lo bastante carnoso, se cubrió una tubería de aire comprimido con unos intestinos de oveja. Los resultados fueron tan reales que ni mil ordenadores podrían hacerlo mejor.

El decorado mas costoso de la película era el gigantesco resto alienígena con aspecto de fósil (spacejockey). El decorado debía construirse a escala pero lo malo era que solo aparecería unos minutos así que se construyo una sola pared y el asiento se hizo giratorio para de ese modo rotarlo en las variadas tomas de cámara.

El facehugger, la criatura que se adhería a la cara de Kane, fue el primer diseño que Giger envió a Dan O'Bannon, y seguramente el más inquietante. Dan le había dado unas ligeras directrices, y el primer facehugger era realmente enorme. Dan había imaginado algo parecido a un pulpo, y se quedó sin habla cuando le llegaron los diseños corregidos de Giger, que mostraban una criatura con dedos humanos, algo que realmente impactaba.

El interior del facehugger se construyó, de nuevo, con restos animales, en esta ocasión de moluscos, peces y caviar para la escena de la autopsia que le hace Ash.
Como bien habían supuesto Dan y Ridley, los diseños de Giger fueron los que hicieron que la película, en último término, funcionara.

La espectacular y sangrienta primera aparición del octavo pasajero, rodada principalmente en una cuidadosa toma, con varias cámaras, ocultaba un pequeño truco, el de la sangre salpicándolo todo. Sobretodo pilló por sorpresa a Veronica Cartwright, cuya histérica reacción fue más real de lo que pudiera parece.

En uno de los libros de cómo se filmó esta película leí, contradiciendo lo que ronda por la red, que esta escena se rodó nuevamente con el pedido del director de repetir exactamente la reacción que tuvieron porque la salpicadura de sangre, en primera instancia, había sido exagerada, bañando a varios de los actores de pies a cabeza.

El monstruo fue personificado por un tipo llamado Bolaji Badejo, de 2,20 metros de altura, a quien alguien del equipo vio en un bar. Era el tipo perfecto para enfundarse el traje del octavo pasajero. Ridley siguió el viejo axioma de Jonathan Shields que tan bien le había ido a Spielberg, aunque no fuera intencionado, de insinuar más que mostrar.

Oculto en las sombras, y apenas insinuado, el alienígena resultaba realmente terrible. Ridley quería que el Alien apareciera en cada escena en alguna posición extraña y así se hizo logrando un gran efecto al sumarse esto con la poca visión que de el nos revela.

La espléndida y curiosa banda sonora corrió a cargo de Jerry Goldsmith, quien quedó muy decepcionado con el resultado final, afirmando que habían utilizado su peor material para la música. Desde el principio Jerry y Ridley tuvieron conceptos distintos sobre el papel que la música debía tener en la película.

Según declaró Verónica Cartwright en una entrevista, en la escena cerca del final, donde el Alien menea su cola entre las piernas de su personaje, eran en realidad las piernas de Harry Dean Stanton, en una toma que estaba destinada a otra escena totalmente distinta.

Desde el 2002, la Biblioteca del Congreso estadounidense la consideró culturalmente trascendental, y se guardan copias de esta primera parte en el Registro Nacional de Filmes (nombre oficial de la filmoteca nacional estadounidense).

La cuestión es que el director británico, con su apuesta minimalista, obró el milagro. Los 11 millones de presupuesto con los que contó obligaron a que el alienígena que da nombre a la saga apenas se viera en todo su esplendor, un recurso que ya usó Steven Spielberg cuatro años antes en "Tiburón" y que le dio el crédito absoluto de meterse en la historia del mejor cine de ciencia ficción y terror, algo que un poco después repetiría con la también mítica "Blade runner".